П. И. Чайковский
Биография, история жизни
Пётр Ильич Чайковский родился 25 апреля 1840 года в Воткинске, в семье директора Воткинского завода. Впечатлительный ребенок чутко постигал окружающие его природу и быт: с детства на всю жизнь он проникся глубокой привязанностью к родине впитал в себя народные песни. Последующие влияния западноевропейской музыкальной культуры не изгладили в Чайковском этих запавших в его душу первых впечатлений.
В десятилетнем возрасте Чайковский был оторван от семьи: родители отдали его в привелигерованное учебное заведение - в Училище правоведения в Петербурге. Он окончил училище в 1862 году. Но чиновничья карьера и пустая светская жизнь не прельщали Чайковского. В 1862 году он поступил в Петербургскую консерваторию, только что основанную благодаря исключительной энергии и организаторскому таланту великого музыканта-общественника Антона Григорьевича Рубинштейна. Окончив блестяще Петербургскую консерваторию в 1865 году, Чайковский с 1866 года жил в Москве и преподавал теорию музыки в Московской консерватории.
В течение десятилетия, не отрываясь от педагогической работы, Чайковский создал ряд выдающихся произведений во всех жанрах музыки. Самые знаменитые из произведений этой поры: первые три симфонии, увертюра "Ромео и Джульетта" (по Шекспиру), Первый струнный квартет, опера "Опричник", музыка к сказке Островского "Снегурочка" и поэма-фантазия для оркестра "Буря" (по Шекспиру). В своей первой симфонии Чайковский тонко запечатлел картины русского пейзажа. Во второй симфонии особенно замечательна последняя часть с широко развернутыми плясовыми жанровыми сценами.
В 1874 году Чайковский сочиняет Первый концерт для фортепиано с оркестром - произведение неисчерпаемой мелодической свежести и щедрости, как и опера "Кузнец Вакула”, написанная в том же году. В 1875 году появляется мелодичнейший романтический балет "Лебединое озеро” с изумительными лирическими вальсами. В1876 году Чайковский создаёт на основе эпизода из величавой поэмы Данте "Божественная комедия” потрясающую по выразительности, страстности и яркости мыслей поэму о человеческой любви - "Франческа да Ремини”. Годом позже Чайковский начал работу над поэтичнейшей из своих опер - "Евгений Онегин” и над Четвёртой симфонией, но завершил эти вещи уже за границей, в Швейцарии, после перерыва, вызванного нервным заболеванием.
Жизнь Чайковского в дальнейшем - это его творчество. Музыка не была для него барским развлечением на досуге. Как только он отдался композиторскому творчеству, оно стало для него делом жизни.
Пётр Ильич Чайковский родился 25 апреля 1840 года в Воткинске, в семье директора Воткинского завода. Впечатлительный ребенок чутко постигал окружающие его природу и быт: с детства на всю жизнь он проникся глубокой привязанностью к родине впитал в себя народные песни. Последующие влияния западноевропейской музыкальной культуры не изгладили в Чайковском этих запавших в его душу первых впечатлений.
В десятилетнем возрасте Чайковский был оторван от семьи: родители отдали его в привелигерованное учебное заведение - в Училище правоведения в Петербурге. Он окончил училище в 1862 году. Но чиновничья карьера и пустая светская жизнь не прельщали Чайковского. В 1862 году он поступил в Петербургскую консерваторию, только что основанную благодаря исключительной энергии и организаторскому таланту великого музыканта-общественника Антона Григорьевича Рубинштейна. Окончив блестяще Петербургскую консерваторию в 1865 году, Чайковский с 1866 года жил в Москве и преподавал теорию музыки в Московской консерватории.
В течение десятилетия, не отрываясь от педагогической работы, Чайковский создал ряд выдающихся произведений во всех жанрах музыки. Самые знаменитые из произведений этой поры: первые три симфонии, увертюра "Ромео и Джульетта" (по Шекспиру), Первый струнный квартет, опера "Опричник", музыка к сказке Островского "Снегурочка" и поэма-фантазия для оркестра "Буря" (по Шекспиру). В своей первой симфонии Чайковский тонко запечатлел картины русского пейзажа. Во второй симфонии особенно замечательна последняя часть с широко развернутыми плясовыми жанровыми сценами.
В 1874 году Чайковский сочиняет Первый концерт для фортепиано с оркестром - произведение неисчерпаемой мелодической свежести и щедрости, как и опера "Кузнец Вакула”, написанная в том же году. В 1875 году появляется мелодичнейший романтический балет "Лебединое озеро” с изумительными лирическими вальсами. В1876 году Чайковский создаёт на основе эпизода из величавой поэмы Данте "Божественная комедия” потрясающую по выразительности, страстности и яркости мыслей поэму о человеческой любви - "Франческа да Ремини”. Годом позже Чайковский начал работу над поэтичнейшей из своих опер - "Евгений Онегин” и над Четвёртой симфонией, но завершил эти вещи уже за границей, в Швейцарии, после перерыва, вызванного нервным заболеванием.
Жизнь Чайковского в дальнейшем - это его творчество. Музыка не была для него барским развлечением на досуге. Как только он отдался композиторскому творчеству, оно стало для него делом жизни.
Рахманинов Сергей Васильевич (1873-1943)
С. В. Рахманинов - русский композитор, пианист, дирижёр.
Родился Рахманинов в дворянской семье в Старорусском уезде Новгородской губернии в имении Онег 20 марта 1873 г.
История рода Рахманинова уходит корнями к внуку молдавского царя Стефана Великого Василию, прозванного Рахманиным. С 4-5 лет играл на фортепьяно (занимался с матерью и педагогом А. Д. Орнатской).
С 1882 учился в Петербургской консерватории у В. В. Демянского, с 1885 - в Московской консерватории у Н. С. Зверева и А. И. Зилоти (фортепьяно), С. И. Танеева и А. С. Аренского (композиция).
В возрасте 13 лет Рахманинов был представлен Чайковскому. В годы учения сочинил ряд произведений, в том числе романс "В молчанье ночи тайной", 1-й концерт для фортепьяно с оркестром (1891, 2-я редакция 1917). Окончил Московскую консерваторию по классам фортепьяно (1891) и композиции (1892, с большой золотой медалью). Дипломная работа Рахманинова - одноактная опера "Алеко" (либретто Вл. И. Немировича-Данченко по поэме А. С. Пушкина "Цыганы", пост. 1893, Большой театр, Москва).
В 1912 г. Рахманинов вступил в должность дирижера симфонических концертов Московского филармонического общества и с невероятным успехом провел сезон, в одном из концертов которого была исполнена его симфоническая поэма «Колокола» по произведению Эдгара По в переводе Константина Бальмонта.
В начале тридцатых годов в беседе со своим биографом О. Ризерманом, композитор признался: "Это произведение, над которым я работал со страстной увлеченностью, я люблю более всех прочих своих сочинений". Даже если вспомнить, что эти слова были сказаны до появления таких партитур, как "Рапсодия на тему Паганини", Третья симфония и "Симфонические танцы" (они были написаны в последнее десятилетие жизни композитора), всё же суть приведённого высказывания верна: Рахманинов всегда выделял, как-то по особенному любил "Колокола". Музыкальное произведение, написанное накануне I Мировой войны, отразило ощущение приближавшейся грозы, воссоздало мир национальной старины – «симфонию» русских колокольных звонов.
1 ноября 1918 г. семья Рахманиновых отплыла из Норвегии в Нью-Йорк. Рахманинов - один из крупнейших музыкантов рубежа 19-20 вв. Его искусство отличает жизненная правдивость, демократическая направленность, искренность и эмоциональная полнота художественного высказывания. Рахманинов следовал лучшим традициям музыкальной классики, прежде всего русской. Обострённо-лирическое ощущение эпохи грандиозных социальных потрясений связано у Рахманинова с воплощением образов родины. Рахманинов был проникновенным певцом русской природы. В его сочинениях тесно сосуществуют страстные порывы непримиримого протеста и тихоупоённое созерцание, трепетная насторожённость и волевая решимость, мрачный трагизм и восторженная гимничность.
Музыка Рахманинова, обладающая неистощимым мелодическим и подголосочно-полифоническим богатством, впитала русские народно-песенные истоки и некоторые особенности знаменного распева. Одна из самобытных основ музыкального стиля Рахманинова - органичное сочетание широты и свободы мелодического дыхания с ритмической энергией. Национально-колоритная черта гармонического языка - многообразное претворение колокольных звучностей. Рахманинов развил достижения русского лирико-драматического и эпического симфонизма. Тема родины, центральная в зрелом творчестве Рахманинова, с наибольшей полнотой воплотилась в его крупных инструментальных произведениях, особенно во 2-м и 3-м фортепьянных концертах, преломившись в лирико-трагическом аспекте в поздних сочинениях композитора. Имя Рахманинова как пианиста стоит в одном ряду с именами Ф. Листа и А. Г. Рубинштейна. феноменальная техника, певучая глубина тона, гибкая и властная ритмика всецело подчинялись в игре Рахманинов высокой одухотворённости и яркой образности выражения. Рахманинов был также одним из крупнейших оперных и симфонических дирижёров своего времени. Умер Рахманинов в Беверли-хилз (в штате Калифорния) 28 марта 1943 года.
В селе Ивановка Тамбовской области создан мемориальный музей Рахманинова (1982).
Похоронен Рахманинов в Валхалле, близ Нью-Йорка
В селе Ивановка Тамбовской области создан мемориальный музей Рахманинова (1982).
Похоронен Рахманинов в Валхалле, близ Нью-Йорка
Михаил Иванович Глинка (1804 -1857г)
Великий русский композитор, родоначальник русской классической музыки М.И. Глинка родился 20 мая (1 июня) 1804 года в селе Новоспасском, близ Ельни Смоленской губернии, в имении отца, капитана в отставке, Ивана Николаевича Глинки. Болезненный и слабый ребенок, он воспитывался своей бабушкой (по отцу), крутой и властной женщиной, грозой крепостных и своих близких. Начальное образование получил дома. Музыкальные занятия с приглашенной из Петербурга гувернанткой, Варварой Федоровной Кламер, игра на скрипке и фортепиано начались довольно поздно (1815-1816) и носили любительский характер. Музыкальные способности в это время выражались "страстью" к колокольному звону, Глинка умел на медных тазах ловко подражать звонарям.
В начале 1817 года Глинка был отвезен в Петербург, где его поместили в только что открытый Благородный пансион при Главном педагогическом институте. Этот пансион был привилегированным учебным заведением для детей дворян. В год открытия Благородного пансиона туда поступил Лев Пушкин - младший брат поэта. Он был на год моложе Глинки, и они, познакомившись, подружились. Тогда же Глинка познакомился и с самим поэтом, который "хаживал к нам в пансион к брату своему". Параллельно с учебой Глинка брал уроки игры на фортепиано. Обучался музыке у лучших петербургских учителей того времени: скрипача Франца Бема, пианиста Джона Фильда, Шарля Майера. У итальянца Тоди М.Глинка начал учиться и пению. В начале лета 1822 года Глинка был выпущен из пансиона, оказавшись одним из лучших учеников. В день выпуска он вместе со своим учителем Майером с успехом публично сыграл фортепианный концерт Гуммеля.
Первый опыт Глинки в сочинении музыки относится к 1822 году - времени окончания пансиона. Это были вариации для арфы или фортепиано на тему из модной в то время оперы австрийского композитора Вейгля "Швейцарское семейство". С этого момента, продолжая совершенствоваться в игре на фортепиано, Глинка всё больше внимания уделяет композиции и вскоре уже сочиняет чрезвычайно много, пробуя свои силы в самых разных жанрах. Долгое время он остается неудовлетворенным своей работой. А ведь именно в этот период были написаны хорошо известные романсы и песни: "Не искушай меня без нужды" на слова Е.А. Баратынского, "Не пой, красавица, при мне" на слова А.С. Пушкина и другие.
В начале марта 1823 года Глинка отправился на Кавказ, на минеральные воды, но это лечение не поправило его слабого здоровья. В сентябре он возвратился в Новоспасское и с новым рвением принялся за музыку. Он занимался музыкой очень много и пробыл в деревне до апреля 1824 года, а потом уехал в Петербург и поступил на службу в Министерство путей сообщения (1824-1828). Но так как служба отрывала его от занятий музыкой, Глинка вскоре вышел в отставку. Постепенно круг знакомств Глинки в Петербурге выходит за рамки светских отношений. Он знакомится с Жуковским, Грибоедовым, Мицкевичем, Дельвигом, Одоевским. В апреле 1830 года ухудшившееся здоровье заставило Глинку выехать для лечения в Германию и Италию.
Проведя несколько месяцев в Ахене и Франкфурте, он прибыл в Милан, где занимался композицией и вокалом, посещал театры, совершал поездки в другие итальянские города. В Италии Глинка изучал бельканто и итальянскую оперу, познакомился с Беллини и Доницетти. Прожив в Италии около 4-х лет, Глинка в июле 1833 года поехал в Германию. Там он познакомился с талантливым немецким теоретиком Зигфридом Деном и в течение нескольких месяцев брал у него уроки. За границей Глинка написал несколько ярких романсов: "Венецианская ночь", "Победитель" и др. Тогда же у него зародилась мысль о создании национальной русской оперы.
В 1834 году он стал работать над оперой "Иван Сусанин", сюжет которой Глинке подсказал Жуковский. Занятия Глинки в Берлине были прерваны известием о смерти его отца. Глинка тотчас же отправляется в Россию. Заграничное путешествие неожиданно окончилось, однако он в основном успел осуществить свои планы. Вернувшись на родину, Глинка принимается за сочинение русской оперы. Ни семейные потери (смерть отца, а позже и брата), ни знакомства и амурные приключения (вроде истории с немкой Луизой), ни сватовство и женитьба не могли помешать этой работе.
(В апреле 1835 года Глинка женился, избранницей оказалась Марья Петровна Иванова, миловидная девушка, его дальняя родственница. Но этот брак оказался крайне неудачным и омрачил жизнь композитора на многие годы).
Опера быстро продвигалась, но добиться постановки её на сцене Петербургского Большого театра оказалось делом нелегким. Директор императорских театров А.М. Гедеонов с большим упорством препятствовал принятию новой оперы к постановке. По-видимому, стремясь оградить себя от любых неожиданностей, он отдал её на суд капельмейстеру Кавосу, который являлся автором оперы на тот же сюжет. Однако Кавос дал произведению Глинки самый лестный отзыв и снял с репертуара свою собственную оперу. Таким образом, "Иван Сусанин" был принят к постановке, но Глинку при этом обязали не требовать за оперу вознаграждения.
Премьера оперы "Жизнь за Царя" (в следующих постановках - "Иван Сусанин") состоялась 27 ноября 1836 года. Успех был огромным. Глинка писал своей матери на следующий день: "Вчерашний вечер совершились наконец желания мои, и долгий труд мой был увенчан самым блистательнейшим успехом. Публика приняла мою оперу с необыкновенным энтузиазмом, актеры выходили из себя от рвения... государь-император... благодарил меня и долго беседовал со мною..."
За "Жизнью за Царя" в 1837 году последовали гениальный "Ночной смотр" и превосходная в музыкальном отношении "Херувимская", написанная для Петербургской Придворной капеллы, где Глинка после блестящего успеха своей первой оперы получил место капельмейстера (1837-1840). Еще в 1837 году Глинка вел беседы с Пушкиным о создании оперы на сюжет "Руслана и Людмилы". В 1838 году началась работа над сочинением, композитор мечтал о том, чтобы сам Пушкин написал для нее либретто, но преждевременная смерть поэта помешала этому. Опера создавалась в нелегкое для Глинки время. Он развелся с женой, а в ноябре 1839 года, измученный домашними неурядицами, сплетнями и утомительной службой в Придворной капелле, Глинка подал директору прошение об отставке; в декабре того же года Глинка был уволен.
В 1838 году Глинка познакомился с Екатериной Керн, дочерью героини известного пушкинского стихотворения, и посвятил ей свои вдохновеннейшие произведения: "Вальс-фантазию" (1839) и романс на стихи Пушкина "Я помню чудное мгновенье" (1840).
Весной 1842 года Глинка завершает работу над созданием своей второй оперы - "Руслан и Людмила", которая растянулась более чем на пять лет. Ее первое представление состоялось 27 ноября 1842 года, день в день через 6 лет после премьеры "Ивана Сусанина". Однако новая опера Глинки, в сравнении с "Иваном Сусаниным", вызвала более сильную критику. Царская семья покинула ложу до окончания премьерного спектакля, вскоре оперу совсем сняли со сцены; редко ставился и "Иван Сусанин". Композитор тяжело это переживает.
В середине 1844 года он предпринимает новое длительное заграничное путешествие - на этот раз во Францию и Испанию. Вскоре яркие и разнообразные впечатления возвращают Глинке высокий жизненный тонус. В 1845 году он написал концертную увертюру "Арагонская хота", а вернувшись в Россию (1848) Глинка пишет еще одну увертюру "Ночь в Мадриде" (1851), тогда же была сочинена симфоническая фантазия "Камаринская" на тему русских песен.
В мае 1851 года умерла мать композитора, Е.А. Глинка. Полученное известие настолько потрясло композитора, что у него отнялась правая рука. Мать была самым близким человеком, и как оказалось трудно жить без нее. Глинке не было еще и пятидесяти, а физические силы его слабели.
В 1852 году Глинка надеется поправить здоровье в Испании, но добравшись до Парижа задерживается там на два года.
Последние годы жизни Глинка жил то в Петербурге, то в Варшаве, Париже, а с 1856 года - в Берлине. Он был полон творческих планов, но не хватало сил довести до конца задуманные произведения. Глинка все слабел, и 3 (15) февраля 1857 года его не стало.
Он умер в Берлине, на чужбине, вдали от родных и близких. Был похоронен там в скромной могиле на лютеранском кладбище. В мае того же года младшая сестра композитора Людмила Ивановна Шестакова с друзьями перевезла тело в Кронштадт пароходом.
В мае 1851 года умерла мать композитора, Е.А. Глинка. Полученное известие настолько потрясло композитора, что у него отнялась правая рука. Мать была самым близким человеком, и как оказалось трудно жить без нее. Глинке не было еще и пятидесяти, а физические силы его слабели.
В 1852 году Глинка надеется поправить здоровье в Испании, но добравшись до Парижа задерживается там на два года.
Последние годы жизни Глинка жил то в Петербурге, то в Варшаве, Париже, а с 1856 года - в Берлине. Он был полон творческих планов, но не хватало сил довести до конца задуманные произведения. Глинка все слабел, и 3 (15) февраля 1857 года его не стало.
Он умер в Берлине, на чужбине, вдали от родных и близких. Был похоронен там в скромной могиле на лютеранском кладбище. В мае того же года младшая сестра композитора Людмила Ивановна Шестакова с друзьями перевезла тело в Кронштадт пароходом.
24 мая 1857 года гроб с телом Глинки опустили в русскую землю на Тихвинском кладбище Александро-Невской лавры в Петербурге. В 1859 году на могиле М.И. Глинки был открыт памятник (арх. И.И. Горностаев, ск. Н.А. Лаверецкий), а еще через 46 лет, в январе 1906 года, рядом была похоронена и Л.И. Шестакова. Первоначально композитор и его сестра были похоронены недалеко от входа на кладбище, в 1936 году при реконструкции некрополя, прах М.И. Глинки и Л.И. Шестаковой был перенесен вглубь кладбища, на Композиторскую дорожку.
ПРОКОФЬЕВ Сергей Сергеевич [11 (23) апреля, 1891, Сонцовка, ныне село Красное Донецкой области Украины - 5 марта 1953, Москва], русский советский композитор, пианист и дирижер, народный артист России (1947), Ленинская премия (1957, посмертно), Государственная премия СССР (1943, 1946 - трижды, 1947, 1951).
В дерзко-новаторских фортепьянных сочинениях 1908-1914 ("Отчаяние", "Наваждение", токката, 1-й концерт с оркестром, "Сарказмы") заметна близость молодого Прокофьева антиромантическим идеям раннего русского авангарда. Обогащение гармонии средствами расширенной тональности 20 века сочетается в зрелых сочинениях с проникновенным лирическим мелосом широкого дыхания, строгой классичностью структур. Оперы "Игрок" (1916), "Любовь к трем апельсинам" (1919), "Огненный ангел" (1927), "Семен Котко" (1939), "Обручение в монастыре" (1940), "Война и мир" (1943; 2-я редакция, 1952); балеты "Ромео и Джульетта" (1936), "Золушка" (1944), "Сказ о каменном цветке" (1950), оратория "На страже мира" (1950), кантата "Александр Невский" (1939), 7 симфоний (1917-1952), симфоническая сказка "Петя и волк" (1936), концерты для инструментов с оркестром, сонаты и циклы пьес для фортепьяно, музыка к фильмам.
Ранний русский период
Прокофьев начал заниматься музыкой с пяти лет. В 1902-1903 брал частные уроки теории и композиции у Р. М. Глиэра. В 1904, тринадцати лет, он поступил в Петербургскую консерваторию, где учился у Н. А. Римского-Корсакова(инструментовка), А. К. Лядова(композиция), А. Н. Есиповой (фортепиано); окончил консерваторию как композитор в 1909, как пианист - в 1914. Первые публичные выступления Прокофьева-пианиста с исполнением собственных произведений относятся к 1908, первые нотные публикации - к 1911, первые зарубежные гастроли - к 1913.
С первых же своих шагов на музыкальном поприще Прокофьев зарекомендовал себя как сторонник шокирующих, "экстремальных" (по меркам начала 20 века) средств выразительности; критика 1910-х годов часто называла его музыкальным футуристом. Музыка раннего Прокофьева проникнута всесокрушающей радостной энергией; в то же время ей не чужд своеобычный, несколько "застенчивый" лиризм. Среди произведений консерваторского периода выделяются "Наваждение" "Токката", Соната № 2 для фортепиано (все - 1912), два Концерта для фортепиано с оркестром (1912, 1913), фортепьянный цикл "Сарказмы" (1914).
В 1914 Прокофьев начал писать балет "Ала и Лоллий" (на сюжет из скифской мифологии) для знаменитой антрепризы С. П. Дягилева. На основе музыки этого балета (который так и не получил сценического воплощения) была создана одноименная симфоническая сюита, первое исполнение которой в Петрограде в начале 1916 сопровождалось грандиозным скандалом, подтвердившим репутацию Прокофьева как музыкального "варвара", "скифа", ниспровергателя традиционных устоев. Экспериментальный характер отличает и оперу "Игрок" по одноименному роману Ф. М. Достоевского (1916, вторая редакция - 1927; премьера оперы состоялась в Брюсселе в 1929), представляющего собой достаточно рискованный опыт музыкальной адаптации прозаического диалога. В других произведениях второй половины 1910-х гг. Прокофьев стремится к большей "общительности" музыкального языка, богатству контрастов, дифференциации выразительных средств. Неповторимый сплав лирики, иронии, юмора, ритмического напора и мелодического изящества придает особое обаяние шедеврам этого периода, таким, как балет "Сказка про Шута, семерых шутов перешутившего" на сюжет русской народной сказки (1915, вторая редакция - 1920; в 1921 балет был поставлен в Париже дягилевской труппой), пять романсов на слова А. А. Ахматовой (1916), симфония № 1 ("Классическая"), концерт № 1 для скрипки с оркестром, "Мимолетности" для фортепиано, сонаты №№ 3 и 4 для фортепиано (все - 1917).
В эмиграции
Весной 1918 Прокофьев покинул Россию. До 1922 он жил в США, затем переехал в Этталь (Баварские Альпы), а в 1923 поселился в Париже. Первые годы пребывания за границей были для Прокофьева в высшей степени плодотворными. Среди произведений, написанных в эти годы, комическая опера "Любовь к трем апельсинам" по одноименной пьесе К. Гоцци (1919; поставлена в Чикаго в 1921), пять песен без слов для голоса (или скрипки) и фортепиано (1920), концерт №3 для фортепиано с оркестром (1921), соната №5 для фортепиано (1923). Грандиозным размахом отличается симфония №2 (1924), форма которой смоделирована по образцу монументальной фортепианной сонаты №32 Бетховена; это замечательное произведение все еще остается одним из наименее репертуарных у Прокофьева. "Не повезло" и опере "Огненный ангел" по одноименному роману В. Я. Брюсова; законченная в 1927, эта фантасмагорическая драма впервые прозвучала в Париже в концертном исполнении только в 1954. С другой стороны, симфония №3, созданная в 1928 на материале музыки "Огненного ангела", приобрела широкую известность как одно из наиболее эффектных, оригинально оркестрованных и в то же время глубоких по содержанию произведений композитора. Из опусов середины 1920-х гг. следует упомянуть также балет "Стальной скок" (1925), сюжет которого отражает наивные представления о жизни Советской России, бытовавшие в то время на Западе.
В начале 1927 Прокофьев гастролировал в СССР. Симфонические и камерные концерты его музыки в Москве, Ленинграде, Харькове, Киеве, Одессе (сам Прокофьев выступал в них в качестве пианиста) прошли с огромным успехом. Возможно, именно тогда у Прокофьева зародилась мысль об окончательной репатриации. В течение последующих нескольких лет его поездки в СССР становились более частыми; и хотя далеко не всегда они проходили безоблачно (в частности, из-за обструкций, которые устраивали Прокофьеву догматики из Всесоюзной Ассоциации пролетарских музыкантов), это не повлияло на стремление композитора связать свою дальнейшую судьбу с Родиной. К тому же период конца 1920-х - начала 1930-х гг. был отмечен в биографии Прокофьева определенной творческой "усталостью" и как следствие явным снижением интереса к его музыке на Западе. Спад в творчестве ощущается в балетах "Блудный сын" (1929, Париж; в 1930 на основе этого балета - последнего из числа написанных по заказу Дягилева - была сочинена симфония №4) и "На Днепре" (1932, Париж), концертах №№4 и 5 для фортепиано с оркестром (1931, 1932), "Симфонической песни" для оркестра (1933).
Значительно больше удавались Прокофьеву произведения, написанные по заказам из СССР - симфонические сюиты "Поручик Киже" (из музыки к одноименному фильму по повести Ю. Н. Тынянова, 1933) и "Египетские ночи" (из музыки к спектаклю московского Камерного театра, 1934). В советской литературе принято считать, что Прокофьев вернулся на Родину в 1933, на самом деле это произошло несколько позднее. Последнее произведение Прокофьева, написанное перед окончательным возвращением в СССР - концерт №2 для скрипки с оркестром (1935), полный счастливых мелодических находок.
По возвращении на Родину
Весной 1936 Прокофьев с семьей обосновался в Москве. В дальнейшем он выезжал за границу (в Европу и США) лишь дважды - в сезоне 1936/37 и 1938/39. Творческая жизнь Прокофьева между 1936 и 1948 отличалась исключительной интенсивностью. В 1936 он практически завершил работу над балетом "Ромео и Джульетта", который был заказан ему в 1934 дирекцией театра им. Кирова в Ленинграде (премьера балета в этом театре состоялась в 1940; мировая премьера прошла в 1938 в Брно, Чехословакия).
В том же 1936 в Московском театре для детей была поставлена симфоническая сказка "Петя и волк". Год спустя Прокофьев представил Комитету по делам искусств свою Кантату к 20-летию Октября - грандиозную фреску для двух хоров и четырех оркестров на слова Маркса, Энгельса, Ленина и Сталина. По существу, это был опыт создания своего рода коммунистической литургии (по своему драматургическому плану Кантата Прокофьева в некоторых отношениях воспроизводит схему католической мессы); но осуществленное Прокофьевым музыкальное воплощение слов классиков марксизма-ленинизма было сочтено идеологически неприемлемым, и Кантата была положена "на полку" (ее первое исполнение, к тому же с купюрами, состоялось в Москве только в 1966). Значительной художественной удачей явилась вторая монументальная кантата Прокофьева "Александр Невский" (1939), созданная на основе музыки к одноименному фильму С. М. Эйзенштейна. На 60-летие Сталина Прокофьев откликнулся кантатой "Здравица", исполнение которой стало кульминационным пунктом юбилейных торжеств. Менее успешной оказалась судьба еще одного приношения Прокофьева на алтарь государственной идеологии - оперы "Семен Котко" по роману В. П. Катаева "Я сын трудового народа" на сюжет из истории Гражданской войны на Украине; поставленная в Москве в 1940, опера подверглась резкой критике и вскоре была снята с репертуара. В 1940 были завершены соната №6 для фортепиано и комическая опера "Обручение в монастыре" по пьесе Р. Шеридана "Дуэнья", премьера которой состоялась в Ленинграде уже после войны, в 1946.
Летом 1941 Прокофьев был эвакуирован на Северный Кавказ, где вскоре написал струнный квартет № 2 (на темы из кабардинского музыкального фольклора). В том же году он начал работать над оперой "Война и мир" по роману Л. Н. Толстого. Работа эта растянулась на 11 лет. В первоначальных редакциях оперы основное внимание уделялось бытовым, семейным мотивам романа, тогда как ее окончательная версия (премьера - Ленинград, 1955, в более полном виде - Москва, 1959) представляет собой грандиозную народно-патриотическую эпопею.
В военные годы Прокофьевым было создано еще одно крупное сценическое произведение - балет "Золушка" (1945, Москва). Среди произведений военных и первых послевоенных лет - симфонии № 5 и 6 (1944, 1947), сонаты № 7, 8, 9 для фортепиано (1942, 1944, 1947), соната для флейты и фортепиано (1943; известна также в скрипичной редакции), соната для скрипки и фортепиано (1938-1946).
Постановлением ЦК ВКП(б) об опере В. И. Мурадели"Великая дружба" от 10 февраля 1948 музыка Прокофьева, наряду с произведениями других крупнейших советских композиторов, была объявлена "формалистической", "чуждой советскому народу". От этого удара Прокофьев не оправился до конца жизни. Почти все его произведения, написанные после 1948 (опера "Повесть о настоящем человеке", поставлена в Москве в 1960, балет "Сказ о каменном цветке", 1950, поставлен в Москве в 1954, оратория "На страже мира", 1950, симфония №7, 1952) малоудачны, отмечены вымученными попытками "упростить" свой музыкальный язык. Среди немногих исключений - два произведения, написанных в расчете на исполнительский дар молодого М. Л. Ростроповича: соната для виолончели и фортепиано (1949) и симфония-концерт для виолончели с оркестром (1952).
Прокофьев умер в один день со Сталиным. Его смерть почти не была замечена советскими средствами массовой информации. Неуклюжей попыткой советской власти сгладить вину перед композитором стало посмертное присуждение ему Ленинской премии (1957).
В дерзко-новаторских фортепьянных сочинениях 1908-1914 ("Отчаяние", "Наваждение", токката, 1-й концерт с оркестром, "Сарказмы") заметна близость молодого Прокофьева антиромантическим идеям раннего русского авангарда. Обогащение гармонии средствами расширенной тональности 20 века сочетается в зрелых сочинениях с проникновенным лирическим мелосом широкого дыхания, строгой классичностью структур. Оперы "Игрок" (1916), "Любовь к трем апельсинам" (1919), "Огненный ангел" (1927), "Семен Котко" (1939), "Обручение в монастыре" (1940), "Война и мир" (1943; 2-я редакция, 1952); балеты "Ромео и Джульетта" (1936), "Золушка" (1944), "Сказ о каменном цветке" (1950), оратория "На страже мира" (1950), кантата "Александр Невский" (1939), 7 симфоний (1917-1952), симфоническая сказка "Петя и волк" (1936), концерты для инструментов с оркестром, сонаты и циклы пьес для фортепьяно, музыка к фильмам.
Ранний русский период
Прокофьев начал заниматься музыкой с пяти лет. В 1902-1903 брал частные уроки теории и композиции у Р. М. Глиэра. В 1904, тринадцати лет, он поступил в Петербургскую консерваторию, где учился у Н. А. Римского-Корсакова(инструментовка), А. К. Лядова(композиция), А. Н. Есиповой (фортепиано); окончил консерваторию как композитор в 1909, как пианист - в 1914. Первые публичные выступления Прокофьева-пианиста с исполнением собственных произведений относятся к 1908, первые нотные публикации - к 1911, первые зарубежные гастроли - к 1913.
С первых же своих шагов на музыкальном поприще Прокофьев зарекомендовал себя как сторонник шокирующих, "экстремальных" (по меркам начала 20 века) средств выразительности; критика 1910-х годов часто называла его музыкальным футуристом. Музыка раннего Прокофьева проникнута всесокрушающей радостной энергией; в то же время ей не чужд своеобычный, несколько "застенчивый" лиризм. Среди произведений консерваторского периода выделяются "Наваждение" "Токката", Соната № 2 для фортепиано (все - 1912), два Концерта для фортепиано с оркестром (1912, 1913), фортепьянный цикл "Сарказмы" (1914).
В 1914 Прокофьев начал писать балет "Ала и Лоллий" (на сюжет из скифской мифологии) для знаменитой антрепризы С. П. Дягилева. На основе музыки этого балета (который так и не получил сценического воплощения) была создана одноименная симфоническая сюита, первое исполнение которой в Петрограде в начале 1916 сопровождалось грандиозным скандалом, подтвердившим репутацию Прокофьева как музыкального "варвара", "скифа", ниспровергателя традиционных устоев. Экспериментальный характер отличает и оперу "Игрок" по одноименному роману Ф. М. Достоевского (1916, вторая редакция - 1927; премьера оперы состоялась в Брюсселе в 1929), представляющего собой достаточно рискованный опыт музыкальной адаптации прозаического диалога. В других произведениях второй половины 1910-х гг. Прокофьев стремится к большей "общительности" музыкального языка, богатству контрастов, дифференциации выразительных средств. Неповторимый сплав лирики, иронии, юмора, ритмического напора и мелодического изящества придает особое обаяние шедеврам этого периода, таким, как балет "Сказка про Шута, семерых шутов перешутившего" на сюжет русской народной сказки (1915, вторая редакция - 1920; в 1921 балет был поставлен в Париже дягилевской труппой), пять романсов на слова А. А. Ахматовой (1916), симфония № 1 ("Классическая"), концерт № 1 для скрипки с оркестром, "Мимолетности" для фортепиано, сонаты №№ 3 и 4 для фортепиано (все - 1917).
В эмиграции
Весной 1918 Прокофьев покинул Россию. До 1922 он жил в США, затем переехал в Этталь (Баварские Альпы), а в 1923 поселился в Париже. Первые годы пребывания за границей были для Прокофьева в высшей степени плодотворными. Среди произведений, написанных в эти годы, комическая опера "Любовь к трем апельсинам" по одноименной пьесе К. Гоцци (1919; поставлена в Чикаго в 1921), пять песен без слов для голоса (или скрипки) и фортепиано (1920), концерт №3 для фортепиано с оркестром (1921), соната №5 для фортепиано (1923). Грандиозным размахом отличается симфония №2 (1924), форма которой смоделирована по образцу монументальной фортепианной сонаты №32 Бетховена; это замечательное произведение все еще остается одним из наименее репертуарных у Прокофьева. "Не повезло" и опере "Огненный ангел" по одноименному роману В. Я. Брюсова; законченная в 1927, эта фантасмагорическая драма впервые прозвучала в Париже в концертном исполнении только в 1954. С другой стороны, симфония №3, созданная в 1928 на материале музыки "Огненного ангела", приобрела широкую известность как одно из наиболее эффектных, оригинально оркестрованных и в то же время глубоких по содержанию произведений композитора. Из опусов середины 1920-х гг. следует упомянуть также балет "Стальной скок" (1925), сюжет которого отражает наивные представления о жизни Советской России, бытовавшие в то время на Западе.
В начале 1927 Прокофьев гастролировал в СССР. Симфонические и камерные концерты его музыки в Москве, Ленинграде, Харькове, Киеве, Одессе (сам Прокофьев выступал в них в качестве пианиста) прошли с огромным успехом. Возможно, именно тогда у Прокофьева зародилась мысль об окончательной репатриации. В течение последующих нескольких лет его поездки в СССР становились более частыми; и хотя далеко не всегда они проходили безоблачно (в частности, из-за обструкций, которые устраивали Прокофьеву догматики из Всесоюзной Ассоциации пролетарских музыкантов), это не повлияло на стремление композитора связать свою дальнейшую судьбу с Родиной. К тому же период конца 1920-х - начала 1930-х гг. был отмечен в биографии Прокофьева определенной творческой "усталостью" и как следствие явным снижением интереса к его музыке на Западе. Спад в творчестве ощущается в балетах "Блудный сын" (1929, Париж; в 1930 на основе этого балета - последнего из числа написанных по заказу Дягилева - была сочинена симфония №4) и "На Днепре" (1932, Париж), концертах №№4 и 5 для фортепиано с оркестром (1931, 1932), "Симфонической песни" для оркестра (1933).
Значительно больше удавались Прокофьеву произведения, написанные по заказам из СССР - симфонические сюиты "Поручик Киже" (из музыки к одноименному фильму по повести Ю. Н. Тынянова, 1933) и "Египетские ночи" (из музыки к спектаклю московского Камерного театра, 1934). В советской литературе принято считать, что Прокофьев вернулся на Родину в 1933, на самом деле это произошло несколько позднее. Последнее произведение Прокофьева, написанное перед окончательным возвращением в СССР - концерт №2 для скрипки с оркестром (1935), полный счастливых мелодических находок.
По возвращении на Родину
Весной 1936 Прокофьев с семьей обосновался в Москве. В дальнейшем он выезжал за границу (в Европу и США) лишь дважды - в сезоне 1936/37 и 1938/39. Творческая жизнь Прокофьева между 1936 и 1948 отличалась исключительной интенсивностью. В 1936 он практически завершил работу над балетом "Ромео и Джульетта", который был заказан ему в 1934 дирекцией театра им. Кирова в Ленинграде (премьера балета в этом театре состоялась в 1940; мировая премьера прошла в 1938 в Брно, Чехословакия).
В том же 1936 в Московском театре для детей была поставлена симфоническая сказка "Петя и волк". Год спустя Прокофьев представил Комитету по делам искусств свою Кантату к 20-летию Октября - грандиозную фреску для двух хоров и четырех оркестров на слова Маркса, Энгельса, Ленина и Сталина. По существу, это был опыт создания своего рода коммунистической литургии (по своему драматургическому плану Кантата Прокофьева в некоторых отношениях воспроизводит схему католической мессы); но осуществленное Прокофьевым музыкальное воплощение слов классиков марксизма-ленинизма было сочтено идеологически неприемлемым, и Кантата была положена "на полку" (ее первое исполнение, к тому же с купюрами, состоялось в Москве только в 1966). Значительной художественной удачей явилась вторая монументальная кантата Прокофьева "Александр Невский" (1939), созданная на основе музыки к одноименному фильму С. М. Эйзенштейна. На 60-летие Сталина Прокофьев откликнулся кантатой "Здравица", исполнение которой стало кульминационным пунктом юбилейных торжеств. Менее успешной оказалась судьба еще одного приношения Прокофьева на алтарь государственной идеологии - оперы "Семен Котко" по роману В. П. Катаева "Я сын трудового народа" на сюжет из истории Гражданской войны на Украине; поставленная в Москве в 1940, опера подверглась резкой критике и вскоре была снята с репертуара. В 1940 были завершены соната №6 для фортепиано и комическая опера "Обручение в монастыре" по пьесе Р. Шеридана "Дуэнья", премьера которой состоялась в Ленинграде уже после войны, в 1946.
Летом 1941 Прокофьев был эвакуирован на Северный Кавказ, где вскоре написал струнный квартет № 2 (на темы из кабардинского музыкального фольклора). В том же году он начал работать над оперой "Война и мир" по роману Л. Н. Толстого. Работа эта растянулась на 11 лет. В первоначальных редакциях оперы основное внимание уделялось бытовым, семейным мотивам романа, тогда как ее окончательная версия (премьера - Ленинград, 1955, в более полном виде - Москва, 1959) представляет собой грандиозную народно-патриотическую эпопею.
В военные годы Прокофьевым было создано еще одно крупное сценическое произведение - балет "Золушка" (1945, Москва). Среди произведений военных и первых послевоенных лет - симфонии № 5 и 6 (1944, 1947), сонаты № 7, 8, 9 для фортепиано (1942, 1944, 1947), соната для флейты и фортепиано (1943; известна также в скрипичной редакции), соната для скрипки и фортепиано (1938-1946).
Постановлением ЦК ВКП(б) об опере В. И. Мурадели"Великая дружба" от 10 февраля 1948 музыка Прокофьева, наряду с произведениями других крупнейших советских композиторов, была объявлена "формалистической", "чуждой советскому народу". От этого удара Прокофьев не оправился до конца жизни. Почти все его произведения, написанные после 1948 (опера "Повесть о настоящем человеке", поставлена в Москве в 1960, балет "Сказ о каменном цветке", 1950, поставлен в Москве в 1954, оратория "На страже мира", 1950, симфония №7, 1952) малоудачны, отмечены вымученными попытками "упростить" свой музыкальный язык. Среди немногих исключений - два произведения, написанных в расчете на исполнительский дар молодого М. Л. Ростроповича: соната для виолончели и фортепиано (1949) и симфония-концерт для виолончели с оркестром (1952).
Прокофьев умер в один день со Сталиным. Его смерть почти не была замечена советскими средствами массовой информации. Неуклюжей попыткой советской власти сгладить вину перед композитором стало посмертное присуждение ему Ленинской премии (1957).
-
- ( р. 16 XII 1915, г. Фатеж, ныне Курская обл.)
...В бурные времена возникают особо гармоничные художественные натуры, воплощающие в себе высшее устремление человека, устремление к внутренней гармонии человеческой личности в противовес хаосу мира... Эта гармония внутреннего мира соединена с пониманием и ощущением трагичности жизни, но в то же время является преодолением этого трагизма. Стремление к внутренней гармонии, сознание высокого предназначения человека - вот что сейчас особенно звучит для меня в Пушкине.
Г. Свиридов
Духовная близость между композитором и поэтом не случайна. Искусство Свиридова также отличается редкой внутренней гармонией, страстной устремленностью к добру и правде и одновременно ощущением трагизма, происходящего от глубокого понимания величия и драматизма переживаемой эпохи. Музыкант и композитор огромного, своеобразного дарования, он чувствует себя прежде всего сыном своей земли, рожденным и выросшим под ее небом. В самой жизни Свиридова сосуществуют непосредственные связи с народными истоками и с вершинами русской культуры.
Ученик Д. Шостаковича, получивший образование в Ленинградской консерватории (1936-41), замечательный знаток поэзии и живописи, сам обладающий выдающимся поэтическим даром, он родился в маленьком городке Фатеж Курской губернии в семье почтового служащего и учительницы. И отец, и мать Свиридова были местными уроженцами, вышли из крестьян близких к Фатежу деревень. Непосредственное общение с сельской средой, как и пение мальчика в церковном хоре, было естественным и органичным. Именно эти два краеугольных камня русской музыкальной культуры - народная песенность и духовное искусство, - жившие с детства в музыкальной памяти ребенка, стали опорой мастера в зрелый период творчества.
Ранние детские воспоминания связаны с образами южнорусской природы - заливными лугами, полями и перелесками. И тут же - трагедия гражданской войны, 1919 год, когда ворвавшиеся в город деникинцы убили молодого коммуниста Василия Свиридова. Не случайно композитор многократно возвращается и к поэзии русской деревни (вокальный цикл "У меня отец крестьянин" - 1957; кантаты "Курские песни, Деревянная Русь" - 1964, "Лапотный мужик" - 1985; хоровые сочинения), и к страшным потрясениям революционных лет ("1919" - 7 часть "Поэмы памяти Сергея Есенина", сольные песни "Повстречался сын с отцом, Смерть комиссара").
Исходная дата искусства Свиридова может быть обозначена весьма точно: с лета по декабрь 1935 в неполные 20 лет будущий мастер советской музыки написал хорошо известный теперь цикл романсов на стихи Пушкина ("Подъезжая по